Voices&Borders 2019

Maziar Firouzi:  classe 1990, italo iraniano nato a Palermo, inizia il suo percorso teatrale all’età di 13 anni con “Shakespeare salvato dai ragazzini” che lo coinvolge in vari spettacoli dal 2003 al 2007. Diplomatosi entra a far parte di compagnie indipendenti della scena palermitana e romana (a.c. sutta scupa, industria indipendente). Nello stesso periodo comincia a lavorare al cinema, con registi del calibro di Raoul Ruiz, Emma Dante, Marco Bechis e Sebastiano Riso che lo porta alla “Semaine de la Critique del Festival di Cannes“con il film “Più buio di mezzanotte”. Nel 2014 lavora con Gianfranco Cabiddu a “La stoffa dei sogni”, Federico Cruciani per “Il ragazzo di vetro” e in “LO SCAMBIO” di Salvo Cuccia. Nel 2015 inizia un percorso didattico presso la scuola dell’Oltrarno, fondata a Firenze da Pierfrancesco Favino, facendo così parte della selezione per la prima classe dalla neo scuola triennale. Maziar partecipa a progetti di arti visive e performance in collaborazione con artisti di fama internazionale quali Manfredi Beninati, i Masbedo e Taus Makacheva. Al momento sta portando avanti un lavoro personale di arte digitale e di installazioni sotto lo pseudonimo di Timo Firouzi.

Moussa Sanou: proviene da una grande famiglia di musicisti: sua nonna era una “griotte” (cantastorie) di grande notorietà, sua madre era cantante e si esibiva in musiche tradizionali e suo padre suonava la batteria in un’orchestra. Dall’età di 7 anni inizia a suonare il djembé (tamburo di origine africana) e crescendo integra la sua preparazione musicale collaborando con il gruppo Feeling Jazz nel quale perfeziona lo studio delle percussioni; all’età di diciotto anni inizia a comporre canti e musiche e a portare a termine i suoi primi arrangiamenti musicali. Moussa è compositore, canta e suona la kora (arpa africana a 21 corde), il balafon, il djembé, il tambour d’aisselle, l’n’goni, il bara, ildoum-doum (tamburi bassi), le maracas, le cloches, tutti strumenti da lui stesso costruiti su modelli e materiali tradizionali; è un vero “griot”, cioè un cantastorie.

Il gruppo Yiriba-Lilli è frutto del talento musicale di Moussa Sanou e della sua ricerca di connessioni musicali diverse e originali; la traduzione del nome del gruppo possiede già in sé un significato importante: “le radici del grande albero”, infatti, spiega che la forza della tradizione e della cultura sono le fondamenta per questo viaggio musicale…(“Quando vedi l’albero crescere non è grazie alle sue foglie, bensì grazie alle sue forti radici…”). Il gruppo nasce nel 1998 a Bobo Dioulasso in Burkina Faso (il “paese degli uomini integri”) grazie alla collaborazione fra artisti africani e artisti provenienti da vari paesi come la Svizzera, la Germania, la Francia, l’Italia, il Canada, e altri ancora.

Davide Camplani è danzatore della compagnia berlinese Sasha Waltz & Guests dal 1999. Al suo interno conduce e coordina dal 2007 percorsi di danza per bambini, offre regolarmente il warm up/training dei danzatori della compagnia ed è responsabile di progetti educativi specifici, quali: “From… To” (2009/2010), MusicTanz “Carmen” (2012), “Open Your Ears” (2015). In qualità di coreografo ha curato: Lilith Return (2012), Schwestern (2014), Amal Project (2016).

Laura Aimo è assegnista di ricerca in Educazione estetica presso l’Università Cattolica del Sacro Cuore. La sua ricerca teorica e pratica unisce l’arte della parola e quella del gesto al fine di accompagnare bambini e adulti a scoprire e manifestare i propri desideri, doni e talenti. L’ultima sua pubblicazione è Corpo danza creazione. Sasha Waltz & Guests (Mimesis 2018).

COMPAGNIA NUT

NUT nasce come compagnia indipendente nell’estate del 2007 e si struttura Associazione Culturale nel 2008. Fondata da Barbara Geiger e Franco Reffo, svolge un lavoro di ricerca sul movimento nell’ambito della danza contemporanea, con particolare attenzione al lavoro di partnering a due, tre o più interpreti. Interamente basate su peso, percezione, musicalità, queste relazioni trovano forma attraverso l’espressione energetica del corpo nelle sue modulazioni. Un processo creativo che mira ad un rinnovato e al tempo stesso più remoto senso della danza 

Antonio Raia è un giovane musicista e improvvisatore napoletano.
“Asylum”, pubblicato il 16 novembre 2018 dalla portoghese Clean Feed Records (Evan Parker, Mats Gustafsson, William Parker), è il suo LP d’esordio e fa seguito a un paio di EP e molte esperienze in studio e dal vivo, anche al fianco di nomi come Chris Corsano, Adam Rudolph, Elio Martusciello, Alvin Curran, Ken Vandermark, Caterina Palazzi etc. Asylum porta con sé importanti metafore sociopolitiche: il titolo rimanda al concetto quanto mai attuale di essere umano come accoglienza verso il prossimo, di casa come rifugio, ed è intimamente legato all’Asilo Filangieri, un ex orfanotrofio nel cui refettorio in disuso si sono svolte le incisioni. Il sax tenore è il protagonista assoluto del disco: suonato senza sovrastrutture né filtri, in modo viscerale, vibrante, scarno e poetico, incarna sia nei momenti più esplosivi e vulcanici sia in quelli più pacati e riflessivi la bellezza struggente e disperata della metropoli partenopea. Di fondamentale importanza, in tutto ciò, è l’apporto del “partner in crime” Renato Fiorito, fonico e compositore elettroacustico, che ha individuato dieci microfoni da distribuire nell’ex Asilo secondo specifici parametri e che, dal vivo, aggiunge dell’elettronica in field recording per ricreare un setting in cui muoversi.  In un’epoca di conflitti, il sax di Antonio Raia apre all’empatia. Ritornando alla radice e alla sua semplice complessità.

cyop&kaf da oltre venti anni vanno infestando la loro città con segni che i più definiscono inquietanti. Utilizzano ogni mezzo necessario affinché i luoghi, loro stessi, e le persone che li vivono, possano trasformare innanzitutto la percezione spesso incrostata che hanno di sé stessi. Per queste e mille altre ragioni sconfinano talvolta nella scrittura (napolimonitor.it), nell’urbanistica (Quartieri Spagnoli / Taranto), nel cinema. Fanno ricerca insomma, e hanno pure vinto dei premi, ma questo veramente non importa.

Installazione site-specif di
Noura Tafeche 
Nata e cresciuta a Milano, è un’autodidatta nel disegno . Si è laureata in Nuove Tecnologie per l’Arte all’Accademia di Brera, dove non ha mai toccato una matita un solo giorno, ma è entrata in una dimensione parallela dove i cyborg, le sottoculture digitali, le stranezze e gli enigmi di internet erano il pane quotidiano per sostenere gli esami. I suoi lavori sono disegni realizzati a mano, in miniatura, preferibilmente matite su carta. Dedica molto tempo alla ricerca e attraverso questo studia con l’obiettivo di scoprire e assemblare in disegno le diverse sensibilità, intuizioni e pratiche sociali che siano in grado di attraversare quanti più continenti e secoli possibili: dai sistemi di scrittura dimenticati e distrutti dal colonialismo, al tema della sorveglianza di massa fino all’importanza del sogno nelle diverse culture del mondo.

Opere in mostra di:
KayOne, writer e artista milanese, tra i primi a cogliere la cultura del Writing americano e a svilupparla a Milano a fine degli anni ’80. Il suo lavoro su muro è legato alla cultura del Writing che da decenni ha conquistato Milano.

Kool Koor inizia la sua carriera artistica a New York verso la metà degli anni 70, durante il boon del Graffiti Writing di cui è uno dei capostipiti. Già all’inizio degli anni 80 espone i suoli lavori in tutto il mondo affiancando artisti come haring e Basquiat. Le sue opere sono esposte in diversi musei del mondo, tra cui il Metropolitan di New York.

Nais, giovane street artist milanese dallo stile originale e innovativo, ha preso parte a numerosi eventi artistici nazionali e internazionali, colorando con le sue inconfondibili figure femminili i muri di molte città. La sue creazioni portano a fare una riflessione sull’uomo, la natura e la città.